Peintre Pop Art de Marylin et de boites de soupe

D’où vient Andy Warhol ?

Andrew Warhola est le troisième fils d’un ouvrier récemment immigré des Carpates, rejoint par son épouse. Il a juste un an en 1929, lorsque la grande dépression plonge une immense partie de la population des États-Unis dans la misère.
Dans la ville industrielle de Pittsburgh le père se tue littéralement au travail pour nourrir sa famille. Leur principal soutien est une foi religieuse solide et les offices du dimanche à l’église catholique orientale.
Elle est à dix kilomètres de chez eux, chemin que l’on fait à pied et qui s’ouvre sur le décor contrasté et merveilleux des ors et des chaudes couleurs des icônes byzantines.

Atteint d’une maladie infectieuse qui le contraint souvent à garder le lit, l’enfant est mal intégré à l’école.
Il grandit surtout à la maison, entre la radio et ses collections d’images de stars, et auprès de sa mère qui ne parle pas anglais, mais lui apprend à dessiner. Il a 14 ans à la mort de son père.

En 1949, Andy Warhol trouve son premier emploi (et son nouveau nom) de dessinateur publicitaire à New York. Il y est arrivé après l’obtention à Pittsburgh d’un Bachelor (une licence) Arts et Audiovisuel. La reconnaissance professionnelle est immédiate et il contribue rapidement aux prestigieux magazines Vogue, Harper's Bazaar, dessine pour des industriels et décore leurs vitrines. Il fréquente les bars où il rencontre des artistes, dont Marylin Monroe, et y accroche ses dessins. En 1952, les œuvres d’Andy Warhol s’exposent pour la première fois. C’est à NY à la Hugo Gallery.

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D’où vient le Pop Art ?

Alors qu’Andy Warhol développe une brillante carrière de publicitaire et illustrateur tout au long des années 50, la société américaine se prend d’amour pour la consommation de masse. Dans l’abondance et la prospérité de l’après –guerre des vainqueurs, le monde des arts et de la culture est en effervescence.
Les artistes venus auparavant se réfugier en Amérique impriment profondément leurs traces.

L’expressionnisme abstrait, défini en 1946 et dont le plus fameux représentant reste Jackson Pollock (action painting), a conquis le monde et New York détrône Paris comme capitale de l’art moderne.
Ce courant avant-gardiste présente en peinture une technique dite colorfield painting (dont Mark Rothko) qui consiste à poser sur la toile de grands aplats de couleur uniforme.

Parallèlement, on observe en 1950 un renouveau des comics (bandes dessinées) surconsommés par l’ensemble de la jeunesse américaine.
Le dessin est simple, les couleurs basiques et la mise en page minimaliste. Il s’agit d’un style graphique et d’une véritable esthétique populaire puisque partagés par un très grand nombre sans condition de culture préalable ou de moyens notables.
Enfin, des artistes expérimentent de nouvelles expressions techniques et de nouveaux concepts. Ainsi pendant que Robert Rauschenberg fait disparaitre la peinture avec des solvants ou peint avec les techniques issus de la photographie (cyanographie), Marcel Duchamp consacre l’objet du quotidien comme objet d’art à part entière.

NO UVELLE COLLECTION ANDY WARHOL

La sérigraphie est-elle de l’art ?

Pour l’œuvre d’Andy Warhol, ce sera la sérigraphie, l’alimentation industrielle et les stars du cinéma industriel.
Après avoir réalisé quelques tableaux très inspirés des comics en 1962, il fait la série 32 boîtes de soupe Campbell qui sera rapidement exposée à Los Angeles par le galeriste Irving Blum.

Ce tableau, véritable acte de naissance du pop art comme courant artistique, est un ensemble de 32 toiles peintes par sérigraphie.
Il s’agit d’un procédé de reproduction semi-mécanique de photographies, usant d’un ou plusieurs pochoirs et tamis pour déposer de la peinture sur une surface. Cette surface s’appelle l’écran.

Donc, nous sommes libres de penser que l’idée de porter lui-même Marylin Monroe à l’écran ait pu amuser Andy… De fait, il réalise à partir de 1962 plusieurs toiles la représentant (9 Marylin, Gold Marylin, Diptych…).
Suivent le 200 Billets de Un dollar des séries sur la mort et les catastrophes et les nombreux portraits de stars et personnages célèbres. Ces derniers sont réalisés à la demande de Harper's Bazaar, mais aussi à celle des acteurs eux-mêmes.

portrait de andy warhol pour une interview

Andy warhol : Qu’est-ce que la Factory ?

En 1964, il achète un atelier de chapeau désaffecté et le transforme en un lieu dédié à l’art, et qu’il veut fascinant.
Redécoré, complètement recouvert de la couleur acier (industriel), y compris, sol, meubles et plafonds, la Factory devient l’atelier à produire de l’art en série.

Il fallait donc du monde. L’atelier se remplit de jeunes artistes et de toute cette faune pleine d’espoir, d’énergie créatrice et de drogues plus ou moins dures.
C’est aussi un studio de tournage pour des films comme Sleep de 5h 21 minutes, Chelsea Girls premier succès commercial ou Lonesome Cowboys une parodie de western de 1969. Les films d’avant-garde (pleins d’images dupliquées, bien sûr) qu’il y réalise fascineront les cinéastes de la Nouvelle Vague. Qu’il rencontre sous les traits d’Agnès Varda.

Enfin, à son apogée, la Factory est devenue un lieu de rendez-vous de la jet-set, où l’on se montre, entre salle de concert, galerie d’exposition, salle de projection et boîte de nuit. Le Velvet Underground, groupe de rock avec notamment Lou Reed, y installe ses quartiers et est produit par le maître des lieux.

Quelle influence du Pop Art ?

Avant Andy Warhol et le pop art, l’art était une proposition esthétique, où l’artiste était encore une sorte d’artisan des beaux arts, maitrisant et excellant dans un métier (peinture, sculpture, etc.).
Dépassant l'expressionnisme abstrait, l’art évolue avec le mouvement consumériste de l’époque, le critiquant et s’en inspirant.

L’art, comme toute production a maintenant perdu tout à la fois tradition et fondement, et ouvre la porte à l’Art contemporain.
Il s’agit désormais de créer des œuvres de valeur c’est-à-dire de valeur sur le marché de l’art. Il semble que les oeuvres d'Andy Warhol l’aient beaucoup répété. Avec justesse.

Consacré par le monde des célébrités, il est devenu peu à peu l’emblématique chef de file d’un mouvement qu’il n’a pas initié, peut-être au détriment de ses contemporains Roy Lichtenstein, Jasper Johns, James Rosenquist et d’autres, qui réagirent aussi aux médias de masse.

Sans doute est-ce dû à la diversité des domaines dans lesquels il s’est exprimé, à ses relations avec l’ensemble des arts et aux polémiques qui persistent autour de son travail.
Mais ce dandy extravagant laisse une œuvre éminemment critique de la société de consommation, société de l’impermanent et du jetable… qui reste et continue de décorer nos quotidiens.