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Carré d'artistes - Le blog

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La minute art

Les œuvres de Modigliani : l'art du portrait - 07/08/2022

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Amadeo Modigliani et ses œuvres

Amedeo Modigliani (1884-1920) est considéré comme un solitaire artistique à Montmartre, même s'il a reconnu son étoile directrice en Paul Cézanne et a eu des contacts artistiques avec Pablo Picasso et Constantin Brâncuşi dans ses premiers travaux. L'avant-gardiste aimait aussi la peinture de la Renaissance italienne, notamment florentine, dont il a pu s'inspirer pour le type féminin à « cols de cygne et yeux en amande ». Si Modigliani est surtout connu aujourd'hui pour ses nus féminins, il a surtout réalisé des portraits, plus vingt-cinq sculptures et quatre paysages. Partez sans plus tarder à la découverte d'un Modigliani, peintre hors du commun et de ses œuvres d'art ô combien diverses.

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L'arrivée à Paris, l'émulation artistique d'avant-garde de Montmartre


Au début de 1906, Amedeo s'installe à Paris, où il séjourne d'abord dans un hôtel confortable. Entre l'hiver 1906 et 1909, l'Italien a vécu à Montmartre puis à Montparnasse. Vers 1900, Montmartre, avec sa structure villageoise, ses lieux de divertissement et ses franges sociales, qui comprenaient les artistes d'avant-garde eux-mêmes, était le lieu de vie le plus important pour la colonie internationale d'artistes à Paris. Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau et Pablo Picasso étaient parmi les résidents les plus célèbres d'aujourd'hui du district qui n'a été incorporé qu'en 1860. C'est là que Picasso et son entourage développent le cubisme, poursuivi à partir de 1910 dans le Montparnasse urbain par des artistes tels que Robert Delaunay et Fernand Légeravec des thèmes urbains et des paysages urbains.

Les premières années de Modigliani à Paris sont caractérisées par de fréquents changements de résidence, de sorte qu'il travaille parfois comme "compagnon itinérant". L'artiste, issu d'un milieu bourgeois, a estimé que la pauvreté qu'il s'était choisie était un sacrifice pour l'art. Amedeo a développé son style personnel en 1910, alors qu'il était à Paris depuis quatre ans, présentait des peintures et des dessins au Salon des Indépendants et d'Automne depuis 1907 et s'était installé à Montmartre.

Les premières œuvres avec un penchant pour la caricature sont des pastiches stylistiques d'illustrateurs et d'artistes connus tels que Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin,Edvard Munch, Henri Rousseau (le "publicain") et Théophile Steinlen. Il esquisse souvent des figures individuelles avec une seule ligne de contour, comme Auguste Rodin l'a également testé dans ses nus érotiques. Modigliani et ses dessins ont peut-être été créés dans la classe de nu de l'Académie Colarossi, qu'il a fréquentée comme beaucoup de ses contemporains.

En termes de style et de choix de sujet, l'Italien s'est approché de l'œuvre de Pablo Picasso, en particulier de sa période bleue, en ce sens qu'il s'intéressait aux étrangers, aux parias et aux personnages désolés. Lorsque Amedeo s'installe à Montmartre en 1909, sa situation financière ne change pas, mais son art oui. Il explique cette démarche à Gino Severini par "Je voulais me renouveler." Ce n'est qu'en 1912 qu'il se présente à nouveau au Salon d'Automne, cette fois avec sept têtes de pierre sculptées, qui ont été exposés comme un "ensemble décoratif", puis à nouveau seulement en 1919. Ce n'est qu'à titre posthume que le commerce a découvert la valeur monétaire de l'œuvre et du mythe de l'artiste.
 

Modigliani et les Cariatides


Le thème central de Modigliani et de sa peinture est l'homme isolé sur un fond coloré. Il s'agit majoritairement de corps féminins dont les formes stéréométriques révèlent sa proximité avec le Proto-Cubisme. Dans la "cariatide"(1911-1912), il s'intéresse à la représentation des volumes et à leur rapport rythmique entre eux, par lequel il reproduit organiquement les proportions des parties du corps les unes par rapport aux autres. Ces volumes physiques sont séparés les uns des autres par des contours puissants et sont donc également clairement délimités les uns des autres (séparation des volumes).

Les considérations formelles et une vision statique sont plus importantes que l'organique ou une visualisation du port et des charges, avec laquelle Amedeo se connecte au début du cubisme de 1908 et en a tiré ses leçons personnelles en 1910. L'impression d'inorganique est renforcée par le schématisme linéaire, par exemple dans les traits du visage, et l'accent mis sur le décoratif. Malgré leur simplicité, les dessins fonctionnent à l'aide du trait parfait et de leur belle linéarité. Des couches de hachures autour des courbes de niveau renforcent l'impression de sculpture et d'architecture, puisque la réduction aux formes géométriques accentue le constructif. Avec ses figures féminines, Modigliani et ses tableaux s'intéressent à l'abstraction au sens originel du mot omission, qui peut également être démontrée dans les nus et portraits suivants. Il voulait dessiner des sculptures, pas des modèles.
 

modigliani et les portraits

 

Quantitativement, le travail d'Amedeo se caractérise par des portraits, des esquisses de figures humaines. Il a dépeint des peintres, des sculpteurs, des poètes, des écrivains, des collectionneurs et des marchands d'art. Il s'inscrit ainsi deux fois dans l'histoire de l'art. Il ne peut pas (seulement) être considéré comme un chroniqueur de la Bohème de Montparnasse, car les portraits l'ont aidé à réfléchir sur son art. Alors qu'il réfléchissait encore aux poses et au personnage du modèle dans les dessins préparatoires avant 1910, il changea dans ses œuvres plus matures. Il ne s'intéressait pas à l'être intérieur des gens, mais à leur visage, leur apparence (posture, vêtements) et enfin la composition finie.

 
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modigliani et la sculpture

Bien qu'Amedeo ait étudié la peinture à Livourne, Florence et Venise, il semble s'être vu comme un futur sculpteur. Peut-être est-ce sa santé, affectée par la tuberculose, et le coût élevé des matériaux qui poussent Amedeo à se tourner vers la peinture. En conséquence, il n'y a que quelques sculptures stylistiquement très similaires de l'italien, dont seulement sept étaient exposés à Paris de son vivant.

Au-delà, de Modigliani et des paysages, ce sont au total 25 œuvres en forme de têtes idoliques taillées dans la pierre, auxquelles s'ajoutent une sculpture en bois, deux cariatides et un personnage debout les rejoignent. L'œuvre sculpturale de Modigliani reste gérable. Un grand nombre de dessins, aquarelles, gouaches et esquisses à l'huile font référence à ces quelques œuvres. Malgré le manque de documents, les œuvres sculpturales d'Amedeo sont datées de 1910 à 1914, après quoi il se consacre à nouveau exclusivement à la peinture.

Il présente sept têtes de pierre au Salon d'Automne de 1912 ; avant cela rien n'indique qu'il ait jamais été sculpteur. Les têtes en forme d'idole sont associées au concept d'Amedeo d'un "temple de la beauté" où elles devraient être placées comme une "colonne d'intimité (colonnes de tendresse)". Pour cette raison, le sculpteur les a probablement conçues pour être absolument frontales et leur a laissé le dos brut. Amedeo voyait probablement dans les têtes hautes de 50 à 60 cm un sommet de réduction géométrique, une « pureté formelle », une sévérité hiératique et un éloignement de la nature. Dans ces œuvres, il se montre beaucoup plus moderne que dans ses tableaux. À partir de 1914, l'Italien se tourne à nouveau exclusivement vers la peinture.

 

 

Quel est le style de Modigliani ? Retour sur les caractéristiques de son art

Quel est le style de Amedeo Modigliani dans ses œuvres d'art ?

Dans les têtes qu'il peint, il développe des accents caractéristiques :

  • Des nez stéréométriques influencés respectivement par les masques et têtes africains, cycladiques et la peinture proto-cubiste de Picasso de 1908.

  • Des yeux sans pupille, aveugles et leur asymétrie. En raison de l'absence de « fenêtre sur l'âme », les portraits d'Amedeo semblent irréels. Il n'était évidemment pas intéressé par le fonctionnement interne de ses modèles. En même temps, c'est une méthode viable pour confronter le spectateur des images avec les images en tant que telles et non avec celles représentées. Encore une fois, Pablo Picasso a suivi cette voie, la plus célèbre est la dame du fond à droite des "Demoiselles d'Avignon". Le but peut avoir été de supprimer l'individualité du modèle afin de souligner la qualité picturale de l'œuvre.

  • Des couleurs achromatiques où Amedeo a clairement suivi la tradition de Paul Cézanne, c'est-à-dire le cubisme et ses riches couleurs, et non l'expressionnisme coloré des Fauves.

  • Des inscriptions puisque certains portraits ont été inscrits par Amedeo avec les noms des modèles en majuscules. Il peut ainsi à nouveau casser l'espace illusoire et souligner la surface picturale en tant que telle.

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